최인규의 영화 <수업료>, <집 없는 천사>, <사랑과 맹세> 등은 어린이들이 주어진 세계와의 불화 속에서 성장해 나가는 과정을 다룬다. 이는 식민지-제국 체제와 총력전이라는 역사적 특수성 하에서 '소국민'의 정체성을 내면화하고 이를 승인 받는 과정을 수반하는데, 본 논문은 특히 소국민들이 소년으로 젠더화되어 있다는 점에 주목한다. 그렇다면 식민지 소년들이 성장의 서사를 얻어 '청년'으로 이행해가는 동안 식민지의 소녀들은 어디에서 무엇을 하고 있는가? 식민지 조선 영화 속에서 소녀 성장 서사의 배재와 부재는 어떻게 구조화되어 있는가? 본 논문은 우선 <사랑과 맹세>의 분석을 중심으로 영화 속의 글 쓰는 소년들이 사회의 요구에 부응하는 자신의 서사를 구축하여 '청년'으로서 성장하고 있음을 보인다. 한편 논문의 후반부는 <수업료>의 주변부 인물인 안정희를 중심으로 글쓰는 소년의 서사 속에서 소녀의 욕망과 야망이 기각되고 배제되는 과정을 분석한다. 이를 통해서 본 논문은 식민지 말기 조선영화 속에서 젠더화된 소국민의 서사에 대한 비판을 통해, 서사화되지 않은 소녀들의 성장을 논하는 실마리를 찾아보고자 한다.

Ch'oe In-gyu's films Tuition, Homeless Angels, and Love and Vow revolve around the development of child protagonists who must come to terms with the given world order. Under the colonial system of representation, their growing-up requires the acknowledgment of their process of internalizing the colonial identity as 'little citizens,' which in late-colonial Korean films are presented as gendered subjects. In their prioritization of the transition of boys into full-grown soldiers in children's growing-up, colonial Korean films write off the stories of girls. This essay traces the process of gendering the representation of children in late-colonial Korean cinema by discussing two films, Love and Vow and Tuition. In the analysis of Love and Vow, I particularly focus on the protagonist boy's writing as a process of organizing his own future. The latter half of this essay discusses the structural absence and exclusion of girls' stories, with a particular emphasis on Chŏnghŭi, a marginal girl character in Tuition. My analysis sheds light on how her ambition is dismissed in the film's narrative and visual system, laying a further critique on the representation of children as “little citizens” as a gendered process.

본 논문은 1990년대 중반에서 2000년대 중반의 한국 청소년영화를 장르 사이클의 사회문화사라는 관점에서 돌아보고자 했다. 우선, 하위장르 유형학에 입각한 분류보다 한 시기에 유행을 형성했던 사이클이라는 관점을 견지했다.
1990년대 중후반의 청소년영화는 엄밀히 말해 사이클을 형성한 것은 아니지만 크게 리얼리즘 경향과 장르적 경향으로 분류 가능하다. 이 시기 영화에서 착하고 순응적인 모범생은 등장하지 않으며, 오히려 자신만 아는 이기적인 인간으로 그려진다는 점, 그리고 이들을 압도하는 '날라리 문화'가 지배적이라는 점은 중요하다. 그것은 근대적 기획의 실패로서 입시 위주의 한국교육에 대한 즉자적인 반항으로 읽힐 수 있다.
2001년 <엽기적인 그녀>의 대성공은 인터넷 소설을 영화화한 청소년 로맨틱 코미디 사이클을 파생시켰다. 고도성장 시기의 제조업을 대신하는 IT산업은 특히 청소년을 'N세대'라는 소비의 주체로 키워나갔고 PC, 인터넷, 휴대폰, 폰카, 문자메시지, 이모티콘 등은 이 사이클에서 필수적인 아이콘이 되었다. 한편, 세상 모든 것을 가벼운 즐길 거리로 치환하고 엉뚱한 것에서 문화적 전복을 도모하는 '엽기문화'는 골칫거리로서의 1990년대 청소년이 근심 걱정없는 쾌락 추구자로서의 2000년대 청소년으로 전환하는 과정이었다. 그러나 그러한 재미와 쾌락은 또한 모든 능력과 재능을 총동원해 스스로를 상품화하는 신자유주의 시대와 맞물려 있었다. 청소년에게 외모는 이 중 핵심적인 가치였으며 이는 2003년을 기점으로 전면화되었던 '얼짱', '몸짱' 등 '짱문화'와 연동되었다.
마지막으로 2006년 '왕따 사이클'은 청소년들이 약육강식의 세계에서 각자도생의 세계관으로 세상과 맞서야 하는 '88만원 세대'를 은유하고 있었지만 조악한 B급 정서와 빈약한 만듦새로 인해 사이클의 자기파괴적 징후를 드러냈다.

This paper looks back on the South Korean teen films between the mid-1990s and the mid-2000s on the perspective of social history of the genre cycles. First, this essay stuck to the viewpoint of the cycles which formed trends in certain period rather than the classification based on the subgenre typology.
Strictly speaking, although teen films in the mid-to-late 1990s did not form cycles, they can be largely divided into realist tendency and generic tendency. In the teen films in this period, model students did not be represented as good and pliable ones, and rather were represented as selfish ones who think only of themselves. In addition, the point that “delinquent culture” overwhelming model students was dominant is important. Because it can be read as spontaneous rebel against Korean education focused only on college entrance exams, and also as a failure of the modern project.
In 2001, the big hit of My Sassy Girl bought up the teen romantic comedy cycle which was adapted from “internet novel.” Information technology industry instead of manufacturing industry in rapid growth period has raised teenagers as a subject of consumption called “Generation N”(Net Generation), and therefore personal computer, internet, cell phone, camera phone, text message, emoticon has become necessary icons in this cycle. Meanwhile, “Yeopggy (bizzare/weird) culture” which transforms the whole world into light entertainment and plans cultural subversion from whimsical things changed 1990s' teenagers as a troubled subject into 2000s' teenagers seeking for pleasure without worry. However, those funs and pleasures also paralleled with the age of neoliberalism which commercialize everything through every capacity and talent. Of these, the look was the main value among teenagers and it was associated with “Zzang (the best) culture” such as “Ealzzang (the best looking)” and “Momzzang (the best body shape) which has been spread in full measure since 2003.
Finally, “outcast cycle” was a metaphor for “880,000 won generation” who had to fight with the whole world with their thoughts of “no one backs you up.” However, its vulgar B-movie mood and poor make revealed the symptom for self-destruction of the cycle.

난민은 전쟁이나 내전 혹은 인종적·종교적·정치적 박해를 피해 국적국을 떠나 도피중인 자들로서 국제사회의 긴급한 보호를 요청하는 존재이다. 본 논문에서 다루는 난민이란, 난민법에 의해 난민으로서의 지위를 인정받은 사람만이 아니라 그러한 희망을 품고 새로운 장소에 도착했지만 정작 어떠한 법으로부터도 보호받지 못하는 법적 예외상태이자 벌거벗은 생명의 지위에 놓인 사람들을 지칭한다. 난민의 정치적·법적·존재론적 지위와 관련된 복합적인 문제들을 온전히 파악하기 위해서는 인류사에서 난민이 어떠한 조건 하에서 출현해왔는지 그 역사성에 대해 충분히 연구할 필요가 있다. 난민을 발생시키는 정치적 분쟁은 대부분 오랜 시간 쌓여온 역사적 긴장과 갈등을 내재하기 때문이다. 이에 본 논문은 난민 발생의 역사적 과정을 추적하며 현대적 난민의 존재론적 지위에 대한 정치 철학적 사유를 살펴본다. 또한 팔레스타인 난민과 유대인의 관계에 대해 장 뤽 고다르의 변증법적 이미지 몽타주 구성전략을 중심으로, 유고슬라비아와 발칸반도의 난민들에 대해 테오 앙겔로풀로스의 시간의 지속을 내재한 시간-이미지 활용전략을 중심으로 분석한다. 이처럼 구체적 역사와 영화적 형상화 전략을 병치하는 분석방법을 통해, 난민은 역사적으로 반복성과 영속성 그리고 유령적 존재성을 가지고 출현함을 진단한다.

Refugees are those who are fleeing from countries of nationality to avoid war, civil war, or racial, religious, and political persecution, and request urgent protection from the international community. Refugees dealt with in this paper refer not only to those recognized as refugees under the Refugee Act, but also to those who arrive at new places with such hope but are not protected by any law in a state of exception and are placed in the status of bared life. In order to fully understand the complex issues related to the political, legal, and ontological status of refugees, it is necessary to thoroughly study the historicity of the conditions under which refugees emerged in human history. This is because most political disputes that generate refugees are inherent in historical tensions and conflicts that have been accumulated for a long time. Accordingly, this paper traces the historical process of refugee occurrence and examines the political and philosophical thinking for the ontological status of modern refugees. This paper also analyzes focusing on Jean-Luc Godard's dialectical image montage construction strategy on the relationship between Palestinian refugees and Jews, and focusing on Theo Angelopoulos's strategy of using time-images that imply the duration of time for refugees in Yugoslavia and the Balkans. Through this analysis method that juxtaposes specific history and cinematic figurative strategy, it is diagnosed that refugees have historically appeared with repeatability, permanence, and a ghostly existence.

하마구치 류스케는 '타자와 이야기'로 영화적 방식을 새롭게 보여준다. 삶의 시간과 속도에서 놓친 개별 자아는 일상의 공간에서 마주친 타자로 재구성된다. 레비나스는 타인과의 관계는 곧 미래와의 관계임을 말한다. 이는 우주적 순간이 선사한 뜻밖의 만남으로 자신을 인식하는 사유의 방식이 된다. 여기에는 하나의 공통점이 존재하는데 그것은 다른 상황 속에서 살아온 타자되기로 온전히 이입되어야 한다는 점이다. 방법은 온전한 '듣기'이다. 그들이 가진 시선으로 삶을 다시 보는 순간, 오래된 자아는 리셋되고 비워진다.
감독은 삶의 우연성과 필연성의 절묘한 조화로 상처받은 인물들의 내면을 섬세하게 위로한다. 가후쿠와 오토를 중심으로 만남과 상실의 시간으로 모인 타자들은 일상적 언어로 각자의 특별한 모습을 드러낸다. 이때 발생하는 심리적 변화는 타자의 시간 속으로 확대되며 자아는 잠재적 가능성을 품고 다시 세상으로 나오게 된다. <드라이브 마이 카>와 <우연과 상상>에서 '타자되기'는 언제나 상반된 감정으로 제시되고 있다. 이는 낯선 세계에 대한 경계 심리인 '제노포비아(xenophobia)'와 동시에 우호적 관계를 갈망하는 '제노필리아(xenophilia)'라는 이중성을 통해서다.
본 연구는 '타자되기'로 '자아찾기'에 이르는 과정을 통해 하마구치 류스케식의 사유 방식을 알아보고자 한다. 각자의 내면에 있는 '무언가'로 인한 객관적 '앎'은 선택과 사유에 이르는 원천으로 돌아가게 한다. 타자와 내가 공존하는 방법을 찾는 관계 설정은 언제나 사유와 관찰에서 출발하기 때문이다.

 and < Wheel of Fortune and Fantasy >, 'being the other' is always presented with opposite emotions. This is through the duality of 'xenophobia', which is a vigilant mentality toward the unfamiliar world, and 'philoxenia', which longs for a friendly relationship at the same time.
This study aims to examine Ryusuke's way of thinking via a process that leads to 'finding the self' through 'becoming an other'. Objective 'knowledge' due to 'something' that is in the inside of each person brings them back to the source that leads to choice and thinking. This is because the establishment of a relationship to find a way that the other and the self coexist always starts with thinking and observation.

오늘날의 미디어는 환경 그 자체라고 할 수 있다. 일상생활은 각종 미디어가 양산한 이미지들로 점철되어 있다. 본 연구는 주체적 개입이 불가능한 일상 속에 투명하게 존재하는 자본화된 스펙터클을 다시 한번 무대로 올리면서, 현시대의 미디어 환경을 비판적으로 고찰해보고자 한다. 일상은 여전히 지루하고 반복하는 매일이지만, 미디어는 고도의 테크놀로지로 빠르게 발전하고 있다. 따라서 본 연구는 영화 비평 담론에서 주된 문제틀로 소환되어왔던 계급, 사회구조, 이데올로기와 같은 추상적인 개념을 포함하되, 현재의 일상생활을 반영한 구체적이고 실질적인 미디어의 사례들을 통해 후기자본주의 시대의 변화된 일상생활의 의미와 전망을 예측해보려는 의도를 갖는다. 스펙터클의 본질이 바로 인간의 감각 중에서도 시각적 인지에 편중되어 있다는 점에 입각해 자본이 일상의 수면을 어떤 방식으로 수탈하고 있는가를 살피고, 미디어가 자연을 향수의 감성으로 상품화하는 전략을 살펴본다. 또한 동시대 한국 사회에서 일어나는 구조적 현상을 흥행 영화인 <엑시트>를 통해 살펴봄으로써 실생활에서 구체적인 미디어의 사용과 스펙타클의 전용의 사례를 추적해 본다. 본 연구의 사례 중심의 최종적 목표는 사회 현상과 영화의 간격을 좁힘으로써, 현재의 대중 소비 경향과 정치적 경향을 보다 쉽게 해석할 수 있는 영화의 비판적 관점을 다시 한번 고취하고자 한다.

Today's media can be said to be the environment itself. Everyday life is dotted with images mass-produced by various media. This study aims to critically examine the media environment of the present age, once again putting the capitalized spectacle that exists transparently in everyday life where subjective intervention is impossible. Daily life is still boring and repetitive, but media is rapidly developing with advanced technology. Therefore, this study includes abstract concepts such as class, social structure, and ideology that have been summoned as the main problem frame in the discourse of film criticism, but through concrete and practical media examples that reflect current daily life, changed daily life in the post-capitalist era. It is intended to predict the meaning and prospect of Based on the fact that the essence of spectacle is concentrated on visual perception among human senses, we examine how capital exploits everyday sleep, and examine strategies for the media to commercialize nature with the sensibility of nostalgia. In addition, by examining the structural phenomenon occurring in contemporary Korean society through the hit movie < Exit >, we trace examples of specific media use and app ropriation of spectacle in real life. The final goal of this study's case-based approach is to once again inspire a critical perspective on film that can more easily interpret the current mass consumption and political trends by narrowing the gap between social phenomena and film.

이 논문은 그동안 영화연구를 비롯해 시각매체연구에서 줄곧 비판의 대상이 되어온 선형원근법의 의의를 재고함으로써 영화와 현실의 관계에 있어 재현 체계가 차지하는 위상을 새로이 정립하고자 한다. 오늘날 주요한 영화이론에서 관객은 보다 신체적이고 감각적인 지위를 부여받고는 한다. 이데올로기나 스펙터클을 비판하기 위해 수동화된 주체를 교정하길 염원했던 정치적 모더니즘 시기의 이론가들과 달리 현재의 영화이론가들은 영화의 관람주체가 애초에 감각적 체험으로부터 능동적으로 현실을 연역할 수 있는 체화된 주체라는 사실을 강변한다. 관객은 추상적인 자리를 점유하는 것이 아니라 신체를 지닌 존재라는 것이다. 그러나 그처럼 추상성에 반대하기 위해 감각이나 현전성의 경험을 강조하는 흐름은 오늘날 자본주의의 지배적인 이데올로기에 가깝다. 물론 그렇다고 다시 과거의 주체성 비판으로 돌아갈 수도 없다. 이 논문은 이러한 교착 상태를 타개하고자 영화이론이 매진해온 주체성의 정치가 지닌 한계를 돌아보며 재현이라는 문제가 실은 주체의 인식과 관련된 문제가 아닌 객관적인 현실의 문제라고 바라본다. 그리고 그를 자세히 살펴보기 위해 선형원근법에 나타난 불완전한 재현을 현실 그 자체의 한계로 재독해한다. 또한 이처럼 영화이론 안에서 주관성의 문제를 객관성의 문제로 사고했던 앙드레 바쟁과 세르게이 에이젠슈테인의 논의를 참조함으로써 재현된 현실의 중심에는 이미 재현 그 자체의 한계가 각인되어있다고 주장한다.

The objective of this study is to reconsider the significance of linear perspective, which has been the subject of film studies and visual media studies and then establish a new status that the representation system occupies in the relationship between film and reality. In today's major film theory, the audience is given a more physical and sensuous position. Different from the theorist in the period of Political Modernism, who wished to correct passive subjects to criticize ideologies or spectacles, present-day film theorists claim that the audience of movies is originally an embodied subject who can deduce an active reality from a sensory experience. The audience does not occupy an abstract position, but is a being with a body. However, the flow of emphasizing the experience of sense or presentability in order to oppose abstraction is close to the dominant ideology of capitalism today, Of course, that doesn't mean we can go back to the criticism of past subjectivity. This study looks back on the limitations of established subjectivity that the film theory has devoted itself to overcome this deadlock and then looks forth that the problem of reproduction is not actually a problem related to the subject's perception, but a problem of objective reality. And in order to examine the problem more closely, this study reinterprets the incomplete representation of linear perspective as a limitation of reality itself. In addition, by referring to the discussion of Andre Bazin and Sergei Eisenstein, who thought of subjectivity as a matter of objectivity in film theory, this study argues that the very limitations of the representation itself are already imprinted at the center of the reproduced reality.

<스캔들: 조선남녀상열지사>(2003)와 <위험한 관계>(2012)는 각각 18세기말 조선시대와 1930년대 상하이 전쟁기를 배경으로 펼쳐지는 두 편의 사극 영화들이다. 이 작품들은 프랑스 리베르티나주 소설이자 원형적인 방탕자 서사의 18세기적 판본으로 간주되는 『위험한 관계』(1782)를 한국과 중국에서 각색함으로써 탄생하였다. <스캔들: 남녀상열지사>은 이재용 감독이 원작 소설에 의거하여 시나리오를 작성했음을 진술한 바 있고, 이 영화의 성공에 힘입어 제작된 <위험한 관계>는 한국감독 허진호와 중국작가 옌거링(嚴歌苓)이 완성한 작품으로서, 두 영화는 『위험한 관계』의 비교적 충실한 21세기적 판본으로서 수용되었다.
하지만 이러한 서구 방탕자 서사를 두 국가에서 사극화 할 때 동아시아적인 '다시 쓰기'가 부각시키는 차이의 지점들이 필연적으로 발생하게 된다. 원작이 다루는 프랑스 혁명 전야의 특유한 현상으로 나타난 자유주의적 리베르티나주는 동아시아 문화권의 사극 영화에서는 낯설고 이질적인 것이며, 이는 어떻게 서사의 타자적인 측면을 수용하고 역사적으로 재맥락화 할 것인가라는 문제를 제기한다. <스캔들: 조선남녀상열지사>와 <위험한 관계>는 어쩌면 낡거나 문화적으로 어설픈 부분을 덜어내고 시대적 맥락에 맞추어 원작을 일정 부분 부정해야만 그것이 제대로 새롭게 도착하는 것임을 보여준다.
이 글은 <스캔들: 조선남녀상열지사>와 <위험한 관계>를 원작의 방탕자 서사에 대하여 '동아시아화'를 시도하는 다시 쓰기의 영화적 수행으로서 간주하고자 한다. 주요한 목표는 그 다시 쓰기에 기입되는 차이의 지점들에 대하여 본격적으로 검토해보고자 하는 것이다. 우선, 두 영화의 원작 소설인 『위험한 관계』를 읽어내면서 리베르티나주의 방탕자 서사란 무엇인지 정의내리고, 원형적 방탕자 서사에 내재하는 쾌락주의와 자유주의의 주제를 식별하여서 그 명암을 개념화하고자 한다. 이어서, <스캔들>과 <위험한 관계>는 방탕자 서사를 동아시아화하는 과정에서 그것을 희석하고 굴절시키는 새로운 자구책으로서 유교적 교화의 각본을 제시한다는 데서 차별화된다. 이는 두 영화를 욕망의 다스림이라는 동양적 가치, 그리고 현실 질서로의 복귀를 시도하려는 모색으로 이해하도록 만든다. 마지막으로, 두 영화는 동아시아의 역사적인 순간들을 재현하는 사극이라는 점에서 결정적으로 원작과 결별할 뿐 아니라 서로 간에도 차별화된다. 포스트-IMF 시대 한국의 시선이 투영되는 18세기 말 조선시대, 그리고 국가주의적인 시장경제시대의 중국적 관점에서 바라본 1930년대 상하이의 시대상이 펼쳐지면서, '역사적인 층위'의 문제들이 동아시아의 과거와 현재라는 시공간을 가로지르며 이들 작품에 중층적인 의미를 덧입히는데 기여한다.

Untold Scandal (2003) and Dangerous Liaisons (2012) are the two historical dramas set in the late 18th century during the Joseon Dynasty and the Shanghai War in the 1930s, respectively. These are adaptations of Les Liaisons Dangereuses (1782), a novel dealing with the ideals of French Libertinage in the pre-Revolution era as well as a widely acclaimed 18th-century masterpiece within the trickster or seduction narrative genre. Untold Scandal's director Lee Jae-yong reportedly wrote his screenplay based on the original novel whereas Dangerous Liaisons, influenced by the success of Lee's film, was produced in collaboration between Korean director Heo Jin-ho and Chinese writer Yen Gehring. As such the two films were received by the audience as relatively faithful 21st century versions of Les Liaisons Dangereuses.
However, when the sexually promiscuous tale of seduction written and loved in the West is made into a historical drama in Korea and China, the differences arise in the process of “re-writing” that inevitably involves East-Asianizing the tale and implementing it into the socio-historical contexts of the region. The liberally-inclined Libertinage, which emerged as a unique phenomenon during the pre-French Revolution period, is unfamiliar and virtually unheard of in East Asian cultures, thereby raising the question of how to accept and re-contextualize the narrative within the East Asian historical dramas. In this regards, Untold Scandal and Dangerous Liaisons can be seen as two fitting examples, demonstrating how the original text can arrive properly only when old and culturally non-relevant parts are removed so certain parts of the original work be denied in accordance with the temporal and spatial implementation that the process of re-writing involves.
This article considers Untold Scandal and Dangerous Liaisons as cinematic practice of re-writing that attempts to “East Asianize” the original seduction narrative. The main objective is to examine the points of difference that can be highlighted in such re-writings. First of all, by reading the original novel Les Liaisons Dangereuses, I try to define the seduction narrative stemming from French Libertinage, and to conceptualize the subject of hedonism and liberalism inherent within it. Subsequently, Untold Scandal and Dangerous Liaisons differentiate themselves from the original novel in that they present a narrative of Confucian edification as a means to dilute and refract the deviating and often anti-cultural description of the seducer-trickster man in the literary tale. The two films can be understood as prioritizing East Asian values of controlling desire and seeking to return to the real order. Finally, being historical dramas that represent specific historical moments in East Asia, the two films not only more decisively depart from the original novel but also differentiate themselves from each other. Untold Scandal offers a contemporary view of the post-IMF Korean society projected onto the images of Joseon Dynasty in the late 18th century whereas Dangerous Liaisons reflects the Chinese perspective of the nationalistic market economy era and transposes it onto the images of Shanghai in the 1930s. Seen in this light, the films are supported by the addition of historically multi-layered meanings that operate across the time and space in East Asia.