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Journal of The Korean Society of Fashion Design

  • : 한국패션디자인학회
  • : 예체능분야  >  미술
  • : KCI등재
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  • : 연속간행물
  • : 계간
  • : 1598-3749
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수록정보
수록범위 : 1권1호(2001)~21권1호(2021) |수록논문 수 : 551
한국패션디자인학회지
21권1호(2021년 03월) 수록논문
최근 권호 논문
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KCI등재

121세기 안티패션의 특수성에 관한 연구 - 2000년부터 2020년까지 The New York Times의 기사를 중심으로 -

저자 : 임소영 ( Im Soyung ) , 하지수 ( Ha Jisoo )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 1-19 (19 pages)

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안티패션은 그 시대에 유행하는 주류 패션과 차별성을 두면서 보편적인 가치와 전통으로부터 독립된 상징체계를 가지고, 한 사회적 그룹의 특성을 나타내는 지표 역할을 해왔다. 또한, 안티패션은 두드러진 특성을 통해 한 사회적 그룹의 정체성을 표현하는데 이는 독창적인 패션 스타일의 창출과 새로운 주류 패션의 창출로도 이어져 패션 디자인에 창의력을 부여하는 아이디어의 원천으로 주목받아왔다. 하지만 최근 안티패션과 주류 패션의 경계는 모호해졌고, 안티패션과 주류 패션은 더 이상 대립적인 관계에 있지 않다. 이처럼 안티패션과 주류 패션과의 관계가 변화함에 따라 최근의 안티패션이 가지는 또 다른 특수성이 있을 것이라는 생각에서 본 연구가 시작되었다. 이에 따라 본 연구에서는 시대적 맥락과 사회적 변화가 반영된 현대 안티패션의 특수성을 밝히는 것에 연구 목적을 둔다. 연구 방법은 선행연구와 패션 관련 전문 서적을 통한 문헌 연구와 2000년 1월부터 2020년 10월 _뉴욕타임스_에서 'antifashion'과 'anti-fashion'이라는 단어가 포함된 기사를 수집하여 안티패션의 저항의 대상, 주체자, 스타일을 중심으로 내용을 분석하는 실증적 연구를 병행하였다. 연구결과 21세기 안티패션은 패션의 어두운 면을 패션이 자각하고 변화하려는 진보적인 대안 패션으로서의 개념과 통합과 화합으로 다양성을 포용하는 포괄성의 개념을 가진다. 21세기 안티패션의 상징성은 다양한 의도와 목적을 배경으로 한 가치 있는 삶을 위한 진보적 변화, 성공과 자신감, 주류사회에 도전하는 수단 등으로 나타났고, 이 상징들은 안티패션에 긍정적이고 진취적 이미지를 부여했다. 21세기 안티패션 스타일은 다양한 취향을 포용하였다. 하지만 안티패션 스타일은 출처와 주체자의 의도에 따라 결정되기 때문에 패션 스타일의 시각적 특성만으로는 안티패션과 주류 패션을 판단할 수 없다는 모호함이 있다. 본 연구는 21세기 안티패션의 특성을 파악하기 위해 최근 20년 동안의 자료를 바탕으로 이루어진 실증적 연구라는 점에 의의가 있다.


Anti-fashion has its own symbolic system that is independent of the universal values and traditions of the same age. Through this, anti-fashion has differentiated from mainstream fashion and has served as an indicator of the characteristics of the society. As a means for expression and distinction, anti-fashion has attracted attention as a source of ideas in that it creates an original fashion style, which in turn leads to the creation of new fashion and gives creativity to fashion design. However, the boundary between anti-fashion and mainstream fashion is blurring today. Anti-fashion and mainstream fashion are no longer mutually opposing. Under the idea that there may be specificity of anti-fashion today as the relationship between anti-fashion and mainstream fashion changes, this study aimed to reveal the specificity and values of modern anti-fashion that reflects the context and social changes of the times. Literature research was conducted via previous research and fashion-related books, and the empirical study was conducted in parallel that collected and analyzed articles from the New York Times from January 2000 to October 2020 including the words “antifashion” and “anti-fashion”. As a result of the study, anti-fashion in the 21st century recognizes the dark side of fashion by itself and has the concept of an alternative fashion through progressive change and the concept of inclusiveness that embraces diversity through integration and harmony. The symbolism of anti-fashion in the 21st century emerged as a progressive change for a worthwhile life based on various intentions and purposes, success and confidence, and a means to challenge mainstream society, and this symbolism gives anti-fashion a positive and progressive image. The 21st century anti-fashion style emerged by embracing various tastes. However, since the anti-fashion style is determined by the origin and the intention of the subject, not the expressive characteristics that are visible, there is an ambiguity that anti-fashion and mainstream fashion cannot be judged only by the visual expression characteristics of the fashion style. This study is significant in that it is an empirical study based on data from the last 20 years to understand the characteristics of anti-fashion in the 21st century.

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2패션 커뮤니케이션에서 증강현실의 활용 유형별 인터랙티브 특성과 발전 방향

저자 : 이은지 ( Lee Eun Jee ) , 이지현 ( Lee Ji Hyun )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 21-36 (16 pages)

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본 연구는 디지털 패션 환경에서 증강현실의 활용 유형 및 커뮤니케이션 특성을 알아보기 위한 목적으로 패션 커뮤니케이션 과정에서 증강현실의 작용을 상호작용적 측면으로 분석하고 인터랙티브 패션 커뮤니케이션으로서의 증강현실 특성을 규명하였다. 증강현실 활용 목적에 따른 유형은 첫째, 체험 마케팅형으로 증강현실을 체험 마케팅의 툴로 활용한 유형이며 패션 브랜드와 소비자 혹은 소비자 간의 다방향 커뮤니케이션이 이루어진다. 둘째, 패션 정보 제공형은 현실 세계에서 보이는 외관으로 전달되는 정보 외에 그와 관련된 추가적인 패션 정보를 가상의 이미지나 텍스트로 증강하여 보여주는 유형으로, 사용자가 가상의 콘텐츠를 직접 조작하고 선택적으로 습득하는 과정이 실시간으로 나타나 양방향적 커뮤니케이션이 이루어진다. 셋째, 의복 기능 확장형은 패션 제품에 증강현실을 적용하여 패션의 일반적인 기능 외에 부가적 기능을 강화 및 확장하는 유형이며 사용자-사용자 간, 사용자-미디어 콘텐츠 간 등 다방향 커뮤니케이션이 이루어진다. 넷째, 창작 도구형은 패션 디자이너가 그들의 작품을 창작하기 위해 증강현실을 활용하는 유형으로, 관객은 완성된 작품을 관람하는 것이 아닌 가상으로 창조되는 디자인 과정을 보며 감정적 참여와 소통하는 양방향 커뮤니케이션이 이루어진다. 현재 패션 환경에서 증강현실 활용이 빠르게 발전하고 확산하는 추세를 볼 때 머지않아 혁신적이고 편리한 증강현실 기반의 패션 환경을 구축하게 될 것이다. 이를 위한 발전 방향으로는 구현디바이스, 버추얼 피팅 시스템 등의 기술 수준을 발전시켜 실재감, 사용성, 편리성, 휴대성 등을 높여 더욱 실감나고 인터랙티브한 환경을 구축해야 하며 고품질의 다양한 패션 콘텐츠 개발을 지속하여 흥미 위주의 단발성 체험에 그치지 않게 발전시켜야 한다.


This study focused on the interactive aspects of augmented reality's action in the fashion communication process to identify the types of utilization and communication characteristics of augmented reality in the digital fashion environment, and identified the augmented reality characteristics as interactive fashion communication. First of all, experiential marketing type is the one that uses augmented reality as a tool for experiential marketing, and multi-directional communication is made between fashion brands and consumers or among consumers. Second, fashion information delivery type is the one that augments and shows additional fashion information with virtual images or texts in addition to information transmitted in the real world, where users directly manipulate and selectively acquire virtual content in real time, creating two-way communication. Third, clothing functional expansion type is the one that strengthens and expands additional functions other than general functions of fashion by applying augmented reality to fashion products, and multi-directional communication occurs between users and media contents. Fourth, the creative tool type is the one in which fashion designer uses augmented reality to create their works, that is, designers express design formative elements and concepts using augmented reality, and audiences communicate with emotional participation by watching virtually created design processes. Given the rapid development and spread of augmented reality in the current fashion environment, it is regarded that an innovative and convenient augmented reality-based fashion environment will be established soon. To this end, a high level of technologies such as implementation devices and virtual fitting systems should be developed to build a more realistic and interactive environment by increasing realism, usability, convenience, and portability, and to continue developing high-quality fashion contents.

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3기능성 소재 개발을 활용한 애슬레저 웨어 스타일 연구

저자 : 신정경 ( Shin Jeong Kyung ) , 김은경 ( Kim Eun Kyoung ) , 이준화 ( Lee Joon Hoa )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 37-51 (15 pages)

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오늘날 애슬레저 웨어는 여가 활용에 대한 인식의 변화로 시작되어 홈트레이닝 등의 가벼운 운동과 재택근무나 외출 등 일상생활에서 자유롭게 입고 다닐 수 있는 용도로 그 범위가 확대되고 있다. 애슬레저 웨어는 다양한 신소재를 사용하여 기능성, 실용성, 심미성을 모두 갖춘 제품으로 출시되고 있다. 본 연구는 이러한 애슬레저 웨어의 특성을 살려 기능성 소재 개발을 활용한 애슬레저 웨어 스타일을 연구하였다. 연구의 목적은 지역 섬유 업체에서 개발한 기능성 소재를 사용하여 20∼30대 남녀를 대상으로 운동복과 일상복으로 모두 적합한 의류와 마스크 세트를 디자인하고 제품화하여 패션사업 활성화에 도움이 되고자 한다. 연구 방법은 문헌 연구를 통해 애슬레저 웨어의 개념 및 정의에 대해 알아보고, 실증 연구로 금융감독원의 NICE 평가정보에 따른 2019년 매출액 기준으로 상위 3개의 애슬레저 웨어 브랜드의 주력 기능성 소재와 제품의 특징을 살펴보았다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, ㈜빗살무늬에서는 미라웨이브, 에어로실버, PP DTY 원사와 스판덱스를 사용하여, 흡한속건, 항균작용, 은은한 광택, 부드러운 감촉, 통기성의 특징을 가진 기능성 원단 4종와플 에이, 와플 비, 와플 씨, 엠피 크레이프를 개발하였다. 둘째, 개발한 원단의 높은 염색성을 토대로 디자인을 차별화할 수 있도록 텍스타일 디자인을 개발하였다. 셋째, 바다를 주제로 애슬레저 웨어와 마스크가 세트를 이룬 총 4세트의 스타일을 디자인하여 시제품으로 개발하였다. 본 연구는 지역 소재 업체의 기능성 소재개발에 동기 부여를 하고 애슬레저 웨어 스타일 연구를 통해 브랜드 사업화에 기여하였다. 앞으로 더욱 다양한 기능성 소재의 개발과 감성적인 디자인으로 소비자를 만족시킬 수 있는 제품이 출시되기를 바라며, 기능성 소재를 활용하여 보다 다양한 아이템과 디자인 개발에 대한 후속 연구로 진행되길 기대한다.


Today, athleisure wear begun with a change in the perception of leisure is expanding its scope to include uses for light exercise such as home training and freely worn in everyday life such as working from home or going out. This study researched the athleisure wear style utilizing the development of functional materials by utilizing the characteristics of such athleisure wear. The purpose of the study is to design and commercialize clothing and mask sets suitable for both sports wear and daily wear for men and women in their 20s and 30s using functional materials developed by a local textile company to help revitalize the fashion business. The research method is to find out the concept and definition of athleisure wear and the main functional materials and product characteristics of the top three athleisure wear brands are analyzed based on 2019 sales according to the NICE evaluation information of the financial supervisory service. The conclusions drawn from this study are as follows. First, the Bitsalmooni uses Mirawave, Aerosilver, PP DTY yarn and spandex, 4 types of functional fabrics with features of perspiration absorption, quick drying, antibacterial action, soft touch, and breathability, Waffle A, Waffle B, Waffle C, MP Crepe were developed. Second, a textile design was developed to differentiate the design based on the high dye-ability of the developed fabric. Third, with the theme of the sea, a total of 4 sets of styles were designed and developed as prototypes, which consist of athleisure wear and masks. In the future, we hope that products that can satisfy consumers with the development of more diverse functional materials and emotional designs will be released, and further research on the development of more diverse items and design using functional materials is expected.

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4현대 패션에 나타난 대량 예술의 특성

저자 : 박수진 ( Park Su Jin ) , 하지수 ( Ha Jisoo )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 53-69 (17 pages)

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예술로서 패션의 존재론적 위치와 두 영역의 상호 관계에 관련하여 지속적인 논쟁이 이루어지고 있다. 근대 미학을 바탕으로 예술의 순수성을 주장하는 관점에서의 패션은 예술과는 동떨어진 산업의 한 분야로만 여겨지며 예술로 인정받지 못하였다. 그러나 전통적 예술의 관점에서 벗어나 외연적 확장을 거치며 변화된 현대 예술의 개념은 현대 예술에 대한 현대인의 인식 변화를 이끌었다. 이로 인해 더 이상 패션의 산업적 특성을 패션을 비예술로 인식하게 하는 요인으로 간주하기 어려워졌다. 따라서 본 연구에서는 새로운 시각으로 현대 예술을 바라보는 다양한 관점 중에서 '대량'의 특성에 주목해 현대 예술을 정의한 노엘 캐럴의 대량예술 이론을 바탕으로 대량 예술의 맥락 안에서 현대 패션의 일부를 정의하고자 하였다. 연구 문제는 현대패션 개념을 대량 예술의 관점에서 재정립하는 것이다. 이를 위해 문헌 연구를 수행하였으며 소거법을 통해 분석하였다. 연구 결과로는 캐럴이 제시한 대량 예술의 복제성, 대량성 및 대중성, 접근 용이성 조건에 따라 패션하우스 브랜드와 SPA 브랜드, 비스포크와 MTM을 포함하는 커스터마이제이션 패션, 오뜨 꾸뛰르, 리미티드 에디션 패션, 예술 의상이 반(反)대량 예술로 확인되었다. 따라서 현대 패션에서 반대량 예술을 제거하는 소거법을 적용함에 따라 대량 예술로서의 현대 패션은 1960년대 이후 가속화된 패션 산업화 속에서 해당패션 브랜드의 설립자가 현재까지 해당 브랜드의 메인 디자이너로서 다수를 위해 디자이너 개인의 예술 의지를 자발적으로 드러낼 수 있는 패션으로 도출되었다. 더불어 캐럴이 제시한 대량 예술의 조건 외적 특성으로 드러난 수동적 시·청감각성과 미적 정신분산성 역시 대량 예술에 해당하는 현대 패션에서도 동일하게 확인되었다. 기존 대량 예술과 마찬가지로 수동적 시·청감각성은 대량 예술에 해당하는 현대 패션의 구조 및 형식의 측면에서 드러나고 있었으며, 미적 정신분산성은 내용의 측면에서 드러났다. 특히 미적 정신분산성은 패션이 3차원을 근간으로 하며, 시·청각뿐만 아니라 후각, 촉각 등 더 다양한 인간 감각에 호소하기 때문에 기존 대량 예술보다 더 심화되어 나타났다. 결론적으로 캐럴의 현대 예술을 바라보는 시각을 적용하여 현대패션의 일부가 대량 예술로서 정의될 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 주로 조형성, 내적 의미, 미적 특성도출 등 시각적인 미적 추구에만 집중되어 다뤄졌던 현대 패션의 다양한 예술적 해석 가능성 확보와 적용범위의 확장이라는 측면에서 의의가 있다.


The relationship between fashion and art, has been under considerable discussion from different perspectives. The core cause can be found in the quality of mass-produced fashion, its tendency of standardizing sizes and technical aspects, and its deep connection with trends. However, the boundary between fashion and art began to blur. As such, when discussing the relationship between fashion and art, it must include the changes that took conventional perspectives and incorporated them into their modern characteristics. The objectives of this study are to re-examine the concepts of contemporary fashion from the perspective of mass art and to define the uniqueness of contemporary fashion under this perspective. The research method used is literature review. From the results of the study, the fashion houses, SPA brands, customized fashion, haute-couture fashion, limited-edition fashion, and art costume were excluded from contemporary fashion as mass art. By the elimination method, contemporary fashion as a mass art was derived from a fashion in which the founder of the fashion brand could, as the main designer of the brand, voluntarily express his will. It was more evident after the 1960s, when the fashion industry accelerated. This analysis also confirmed the outward characteristics of mass art, namely passive spectatorship and dispersion, in contemporary fashion. Like other works of mass art, passive spectatorship manifested in the structures and forms of contemporary fashion that correspond to mass art, while dispersion manifested in the content. In particular, contemporary fashion displayed higher levels of dispersion because fashion is fundamentally a 3D endeavor that appeals to the five senses. The significance of this study lies in its effort to overcome the limitations of conventional perspectives toward fashion and expand fashion's potential and applicability of artistic interpretation.

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5표피 및 신체 담론에 의거한 현대 패션의 확장 유형과 의미

저자 : 이재민 ( Lee Jae Min ) , 김혜연 ( Kim Hea Yeon )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 71-90 (20 pages)

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현대사회에서는 새로운 매체의 등장과 융복합 현상에 의한 기존 형식이 해체되면서 탈경계 현상이 나타나고 있다. 또한 인간 신체는 문화 코드의 중심이 되고 있다. 이에 본 연구의 목적은 표피와 신체의 근현대 담론에 따라 현대 패션의 확장 현상의 유형을 분석하고 그 의미를 고찰함으로써 현대 패션디자인의 흐름을 재인식 하는데 있다. 또한 표피와 신체를 중심으로 이루어지는 다양한 현대 패션의 실험적 시도를 살펴봄으로써 향후 패션디자인 분야의 확장적 변화에 대한 가능성 및 인식의 근거를 마련하고자 한다. 본 연구에서 디자이너 선별과 사례 선정은 국내 패션디자이너 10인을 대상으로 면담을 통해 이루어졌다. 신체와 패션의 관계를 새롭게 설정하고자 시도하는 디자이너의 작품을 연구대상으로 특징을 분석하였다. 표피와 신체 관련 근현대 담론은 현대 미술 및 디자인에서 표피와 신체에 대한 인식을 설명해주는 근거가 된다. 표피 담론의 양상에 나타난 표피 확장 유형은 독자적인 가치를 확보하게 되었고, 이에 따라 촉각에 대한 재인식과 경험이 확대되며, 비물질 이미지를 추구하게 된 것으로 나타났다. 한편 신체 담론의 양상에 나타난 신체 확장 유형은 능동적 주체로서 신체, 매개물과 결합하여 확장된 신체, 탈고정되고 변용된 신체로 나타났다. 표피와 신체의 근현대 담론을 기반으로 현대 패션의 확장 현상을 유형화해 본 결과, 신체 주도, 표피 주도, 환경 주도의 유형으로 분석되었다. 곧 신체가 확장 현상을 주도하는 원인으로 작용한 유형을 '신체 주도 확장', 표피 스스로가 지각 체험의 원인이 되는 유형을 '표피 주도 확장', 환경이 변화를 주도하는 원인을 제공하는 유형을 '환경주도 확장'으로 분류하였다. 유형화에 따른 현대 패션 확장 현상의 의미를 분석한 결과, 현대 패션은 매체적, 인터페이스적, 탈경계적 존재로 부상하고 있다. 현대 패션은 신체 경험을 생성하고, 신체 공간을 확장하며, 신체 혹은 환경과의 능동적 소통을 촉진하는 매체로서의 역할이 부각되고 있다. 또한 신체와 환경, 실재와 가상, 가시와 비가시를 연결해주는 인터페이스적 존재로서의 역할과 함께 탈신체화되고 위계가 해체되면서 신체와 패션이 일체화되는 탈경계적 존재의 양상으로 나아가고 있음을 고찰할 수 있었다. 본 연구의 결과를 통해 현대 패션디자인의 흐름과 현대 패션이 나아갈 방향을 예측할 수 있을 것으로 기대한다.


In modern society, with the emergence of new media and the dismantling of existing forms due to the convergence phenomenon, the de-boundary phenomenon is emerging. In addition, the human body becomes the center of cultural code. Therefore, the purpose of this study is to analyze the types of contemporary fashion expansion based on the modern and contemporary discourse of the skin and body, and to re-recognize the flow of contemporary fashion design by examining the meaning of the expansion phenomenon. In this study, designer selection and case selection were conducted through interviews with 10 people who are composed of domestic fashion designers. The type of skin expansion in the aspect of skin discourse has secured its own value. And accordingly, the recognition and experience of tactile sensation were expanded and the immaterial image was pursued. On the other hand, the type of body expansion in the aspect of body discourse was shown as the active subject, an expanded body combined with body and medium, and unfixed and transformed body. As a result of classifying the expansion phenomenon of contemporary fashion based on the modern and contemporary discourse of the skin and body, the phenomenon was analyzed as a type of body-directed, skin-directed, and environment-directed. In other words, the type that the body acts as a cause leading the expansion phenomenon in the relationship between the skin and environment can be classified as body-directed expansion. In addition, the skin-directed expansion is the type that the skin itself causes perception experience. And the type that the environment provides the cause of change in the body and skin can be classified as environmental-directed expansion. As a result of analyzing the meaning of contemporary fashion expansion phenomenon according to classification, the contemporary fashion is rising as a medium, interface, and de-bordering existence. The results of this study are expected to predict the flow of contemporary fashion design and the direction of contemporary fashion in advance.

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6시대에 따른 미국 흑인 패션의 표현적 특징의 변화에 관한 연구 - 소울을 중심으로 -

저자 : 박한힘 ( Park Han Him )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 91-104 (14 pages)

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소울은 백인 주류 사회에 대한 흑인들의 저항 의식의 핵심이었다. 시대가 변화해 나감에도 소울은 다양한 형태와 방법으로 미국의 대중문화에 끊임없이 영향을 미쳐 왔다. 패션 역시 소울의 영향을 많이 받은 분야로써 소울이 가진 저항정신과 격정적인 이미지는 다운타운 패션이나 키치를 모티프로 하는 디자이너 브랜드 등에 적지 않은 영향을 미쳤다. 또, 최근에는 럭셔리 브랜드들도 자신들의 고급스러운 이미지에 맞게 소울스타일을 정제해서 사용하는 등 영역을 넓혀가고 있다. 소울은 음악뿐만 아니라 춤이나 패션과 같은 스타일에서도 저항 의식을 표출하고자 했다. 특히, 패션은 미국 흑인들의 정체성, 가치관, 행동 양식 등 문화적 의미들을 응축한 스타일과 그들의 단결력과 자부심을 드러내는 정치적 의미들을 응축한 스타일의 표현이기도 했다. 소울 패션은 미국 흑인들의 단결과 저항 의식이라는 무형의 힘을 표출하기 위한 유형의 표현 수단이었다. 특히, 후에 힙합 스타일의 탄생과 맥을 같이 하며 대중 패션의 영역 안으로 자리매김하게 된다. 힙합 패션에 표현된 착장 규칙을 무시하는 방식의 스타일링 방법이나 올블랙 색상의 색 맞춤 코디네이션 등은 주류 사회에 대한 저항 의식을 표출하는 소울 스타일을 그대로 계승하는 것이라고 볼 수 있다. 소울 음악은 전통적인 흑인음악의 한 장르로써 분류되며, 재즈와 더불어 오롯이 흑인들의 영혼을 담은 정체성과 자존심을 표현하는 음악으로 정의할 수 있다. 20세기 초반부터 미국 흑인들은 자신들의 인간다울 수 있는 권리를 찾기 위해 주류 백인사회에 대한 저항을 시작했고, 그 전면에 소울, 재즈, 블루스 등의 음악을 내세웠다. 특히 격정적인 연주와 보컬리스트들의 폭발적인 가창력이 특징인 소울 음악은 한 맺힌 삶을 살아왔던 흑인들의 정서를 거세게 몰아붙이며 주류 백인사회에 대한 저항 의식을 고취하는 데 큰 영향을 미쳤다. 1970년대에는 보헤미안 스타일과 함께 시위를 상징하는 스타일로 대두되기도 했으며, 2000년대에 들어서면서 소울의 저항정신을 계승한 힙합은 대중 패션에 있어서 더욱 영향력 있는 패션스타일로의 입지를 공고히 했다. 럭셔리 브랜드들은 힙합의 패션 요소들을 자신들의 제품에 적용하기 시작했고, 스트리트 웨어로만 치부되던 하위문화의 상징에서, 패션의 주류로 편입되게 되었다.


Soul was the core of black people's resistance to the white mainstream society, and even as times have changed, Soul has constantly influenced American pop culture in various forms and methods. Fashion was also influenced by Soul, and the spirit of resistance and passionate image of Soul had a considerable influence on downtown fashion and designer brands with kitsch motifs. In recent years, luxury brands have also expanded their range by refining and using soul styles to suit their luxurious images. Soul tried to express its resistance not only in music but also in styles such as dance and fashion. In particular, fashion was also a style that condensed cultural meanings, such as identity, values, and behavior styles of black Americans, and condensed political meanings that revealed their unity and pride. Soul fashion was a type of expression for the intangible power of unity and resistance consciousness of black Americans. Especially, it is in line with the birth of hip-hop style and takes a place in the area of popular fashion. The styling method of ignoring the rules of the wearing expressed in hip-hop fashion, or the color-customized coordination of all black color, can be seen as inheriting the soul style expressing the resistance to the mainstream society. Soul music is classified as a genre of traditional black music, and it can be defined as music expressing identity and pride of black people along with jazz. From the early 20th century, black Americans began to resist mainstream white society in order to find their right to be human, and on the front of it, they put music such as soul, jazz, and blues. Especially, soul music, which is characterized by passionate performance and explosive singing ability of vocalists, has had a great influence on raising the consciousness of resistance to mainstream white society by echoing the emotions of black people who have lived a heartbreaking life. In the 1970s, it emerged as a style symbolizing demonstrations with Bohemian style. In the 2000s, hip-hop, which inherited Soul's resistance spirit, solidified its position as a more influential fashion style in popular fashion, and luxury brands began to apply hip-hop fashion elements to their products, and became incorporated into the mainstream of fashion from the symbol of subculture, which was regarded as streetwear only.

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7인클루시브 패션디자인을 위한 신체 유형화 및 가상 모델 개발 - 20∼40대 장애 및 비장애 여성을 중심으로 -

저자 : 이지현 ( Lee Ji Hyun ) , 신미라 ( Shin Mira ) , 우지연 ( Woo Ji Yean ) , 이시헌 ( Lee C Hun ) , 김지은 ( Kim Ji Eun )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 105-122 (18 pages)

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연령이나 성별, 세대, 장애 유무와 관계없는 '모두를 위한 디자인'을 의미하는 인클루시브 디자인의 개념을 적용한 본 연구는 사용자의 신체적 다양성을 패션디자인 개발 단계에서부터 포괄적으로 활용할 수 있도록 장애인, 비장애인 그리고 다양한 연령층을 포함하는 체형을 유형화하고자 하였다. 그리고 이들 체형 유형화 자료를 바탕으로 3D 패션디자인 소프트웨어 'CLO 3D'를 사용하여 인클루시브 패션디자인 프로토타입을 개발을 위한 가상 모델 아바타를 구현하였다. 연구 결과, 인클루시브 패션의 체형 유형화를 위한 요인은 '부피', '길이', '상하 비율'이 해당한다. '부피'에 해당하는 신체 항목은 '허리둘레, 가슴둘레, 가슴 아래 둘레, 엉덩이둘레, 넙다리 둘레'이며 '길이'에 해당하는 신체 항목은 '샅 높이와 키'이고 '상하 비율'에 해당하는 신체 항목은 '상하 비율과 어깨와 허리 사이 높이'이다. 이를 기반으로 한 연령별 유형은 20∼30대 7개, 40대 4개 유형으로 분류되었다. 또한, 장애 유무에 따른 하체 유형의 차이가 큼을 감안하여 인클루시브 패션 개념의 적용을 위해 상·하체 분류형을 적용해 체형을 분류한 결과, 상체는 장애 유무에 상관없이 연령에 따라 20∼30대 4개, 40대 4개 총 8개 타입으로 분류되었으며, 하체는 장애 유형은 3개, 비장애 유형은 6개, 총 9개의 타입으로 분류되었다. 그리고 상·하체 간에 연결 가능한 신체 부위의 사이즈는 허리둘레 사이즈이고 허리둘레 사이즈를 기준으로 상·하체가 결합될 수 있는 인클루시브 신체 유형 타입은 총 11개이다. 본 연구의 결과는 다양한 연령과 장애를 포괄하는 인클루시브 패션디자인 연구의 기초가 될 수 있으며 보다 포괄적인 인체유형별로 적용 가능한 인클루시브 패션디자인 제품 개발을 위한 중요한 가이드라인 자료로 활용 가능하다.


By applying the concept of inclusive design, which means 'design for all' regardless of age, gender, generation, or disability, this study aims to comprehensively reflect the physical diversity of users and intends to categorize body types including non-disabled people and various age. Based on these body type data, we implemented virtual model avatars using 3D fashion design software 'CLO 3D'. As a result of the study, the factors for the categorization of the body type were 'volume', 'length', and 'up and down ratio'. Based on this, the age-specific types were divided into seven types for those who are in their 20s and 30s and four types in their 40s. In addition, considering the large differences in lower body types with and without disabilities, the upper body was classified into eight types, that is, four types in their 20s and 30s, four types in their 40s, and as for the lower body, there were three in the disability types, six in the non-disability types, and nine types in total. In addition, the size of the body parts that can be connected between the upper and lower bodies is waist size, and there are a total of 11 types of body types that can be combined with the upper and lower bodies based on the waist size. The results of this study can be the basis for the study of inclusive fashion design including different ages and disabilities and can be used as an important guideline for developing inclusive fashion design products applicable to more comprehensive human types.

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8잠재소비자의 명품 브랜드 SNS 관계 혜택 지각이 구매 의도에 미치는 영향 - SNS 관여도의 조절 효과를 중심으로 -

저자 : 김지은 ( Kim Chi Eun ) , 이진화 ( Lee Jin Hwa )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 123-141 (19 pages)

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현대사회는 사용자의 취향과 요구가 다양해짐에 따라 마케팅 시장이 더욱 세분화되고 있으며, 특정 주제 및 상품에 관심을 두고 지속적으로 반응하는 잠재소비자를 발견하는 것이 매우 중요하게 여겨진다. 본 연구는 명품 브랜드의 SNS에 자발적으로 방문하는 소비자를 잠재소비자로 선별하여 그들을 대상으로 관계마케팅 관점에서 연구하였다. 본 연구의 목적은 명품 브랜드의 잠재소비자의 SNS를 통한 관계 혜택이 지각이 구매 의도에 미치는 영향을 검증하고자 함이며, 더 나아가 지각된 관계 혜택이 구매 의도에 미치는 영향에 있어서 SNS 관여도의 조절 효과를 검증하고자 하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 명품 브랜드 잠재 소비자의 지각된 관계 혜택의 하위차원은 심리적 혜택, 정보적 혜택, 경제적 혜택으로 나타났다. 둘째, 심리적 혜택, 정보적 혜택, 경제적 혜택은 모두 구매 의도에 유의한 정의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 셋째, SNS 관여도는 심리적 혜택이 구매 의도에 이르는 경로에 유의한 조절 효과를 미치는 것으로 나타났다. 위와 같은 연구의 결과에 따라 본 연구는 다음과 같은 마케팅 시사점을 제안하였다. 첫째, SNS를 통해 선별한 명품 브랜드의 잠재소비자는 자발적으로 브랜드와 관계를 이미 형성하고 있을 뿐 아니라 반복적인 SNS 방문을 통해 관계를 유지하고 있다. 이들은 관계 혜택의 지각을 통해 신규소비자로의 전환이 비교적 용이한 집단으로, 이들에 대한 지속적인 관심과 관리가 필요하다. 둘째, 명품 브랜드가 SNS를 통해 제공하는 콘텐츠가 전문성과 신뢰성 있는 정보를 제공할 때, 이것이 잠재소비자의 구매의도에 가장 큰 영향을 미칠 수 있다. 셋째, SNS 관여도가 낮은 고객일수록 SNS를 이용함으로써 느끼는 해당 브랜드에 대한 신뢰, SNS를 통해 느끼는 브랜드에 대한 긍정적인 감정이 구매 의도에 더 큰 영향을 미칠 수 있다.


In the recent retailing environment, marketing is becoming more segmented as the needs and demands of consumers have been diversified. And it is considered very important to discover potential consumers who are constantly responding to specific topics and products. This study examined potential consumers who voluntarily visit luxury brand SNS, from the perspective of relationship marketing. The purpose of this study is to investigate the effect of perceived relationship benefits on the purchase intention of potential luxury brand consumers. Furthermore, this study examines the moderating effect of SNS involvement between perceived relationship benefits and purchase intention. The results are as follows; first, relational benefits were categorized into three sub-dimensions: psychological benefits, informational benefits, and economic benefits. Second, psychological benefits, informational benefits, and economic benefits have a significantly positive effect on purchase intention. Third, SNS involvement has a significant effect on the path from the psychological benefits to purchase intention. Based on the research results, this study proposes the following marketing implications. First, as potential consumers of luxury brands identified through SNS in this study not only have already formed a relationship with the brand voluntarily but also have maintain the relationship through repeated SNS visits, it is relatively easy to convert them to new consumers. Second, the contents that luxury brands provide through SNS can have the greatest impact on potential consumers when it is professional and reliable information. Third, for customers with lower involvement in SNS, the trust and positive feelings that they feel through SNS can have a greater influence on the purchase intention.

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9글로벌 럭셔리 패션 브랜드의 언택트 패션 커뮤니케이션 연구 - 코로나19 팬데믹 이후를 중심으로 -

저자 : 심은희 ( Shim Eun Hee ) , 김진영 ( Kim Jin Young )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 143-156 (14 pages)

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2020년 코로나19 팬데믹 선언 이후 지속해서 성장해온 글로벌 럭셔리 패션 브랜드의 매출 감소가 이어지고 있다. 이를 극복하기 위해 글로벌 럭셔리 패션 브랜드에서는 대면 방식으로 이루어지던 패션 커뮤니케이션을 언택트 방식으로 전환하여 팬데믹 이전에 볼 수 없던 새로운 방식의 패션 커뮤니케이션을 보여주고 있다. 이에 본 연구에서는 코로나19 팬데믹 이후 글로벌 럭셔리 패션 브랜드에서 새롭게 선보인 언택트 패션커뮤니케이션 사례를 분석하고 그 특성을 도출하고자 함에 연구의 목적이 있다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 글로벌 럭셔리 패션 브랜드는 기존 대면 시스템에서 벗어나 비대면 매체를 적극적으로 활용하여 소비자와의 직접적인 소통을 시도하였다. 이러한 소비자와의 시·공간을 초월한 소통은 브랜드를 알리며 친밀감과 선호도를 높였다. 둘째, 실험적인 플랫폼에 도전함으로써 다양한 비대면 패션 커뮤니케이션 방식을 적극적으로 활용하였다. 이에 전통적인 패션쇼 및 판매 방식을 벗어나 비대면 방식으로 가능한 새로운 판매 플랫폼이 각광받게 되었다. 셋째, 코로나19 이후 환경 문제가 대두되면서 윤리적 가치 등 제품 이외의 사회 문화적 가치를 활용한 이미지 마케팅이 적극적으로 나타났다. 이처럼 글로벌 럭셔리 패션 브랜드는 팬데믹 선언 이후 매출 감소와 패션쇼 취소 등 위기의 상황에서 패션 커뮤니케이션을 적극적으로 활용하여 시류에 따른 변화를 사회 문화적인 행보를 통해 브랜드 가치를 소구하고 있다. 이는 포스트 코로나 이후에도 지속할 것으로 보이며 언택트 방식을 활용한 패션 커뮤니케이션은 패션 브랜드의 주요한 마케팅 전략으로 발전할 전망이다.


Since the declaration of Covid-19 pandemic in 2020, sales of global luxury fashion brands, which showed continual growth, have been continuing to decline. In order to overcome this, global luxury fashion brands are shifting from face-to-face fashion communication to Untact communication, showing a new type of fashion communication that has not been seen before the pandemic. The purpose of this research is to analyze the cases of Untact fashion communication, which was newly introduced by the global luxury fashion brands after the Covid-19 pandemic broke out, and to derive its characteristics. The results of the study are as follows. First, moving away from traditional face-to-face systems, direct communication with consumers was attempted by actively utilizing Untact media. Sense of closeness has increased by informing the brands through direct communication with consumers beyond time and space. Second, various Untact fashion communication methods were actively utilized by challenging experimental platforms. As a result, beyond traditional fashion shows and sales methods, new sales platforms via Untact methods have become popular. Third, as environmental problems emerged after Covid-19, image marketing using sociocultural values such as ethical values other than products has actively appeared. As such, global luxury fashion brands are appealing their brand value through sociocultural moves for changes according to the current trend by actively utilizing fashion communication in the face of a crisis such as the decline in sales after the declaration of the pandemic and the cancellations of fashion shows. It is expected to continue throughout post-Covid-19, and fashion communication using the Untact method is expected to develop into a major marketing strategy for the fashion brands.

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10오스카 슐레머의 『Triadic Ballet』의 영향을 받은 현대 아티스트 무대의상의 조형적 특성 - 아힘 프라이어, 안드레이 바르테네브, 어슐러 색스를 중심으로 -

저자 : 손주희 ( Son Ju Hee ) , 전재훈 ( Chun Jaehoon )

발행기관 : 한국패션디자인학회 간행물 : 한국패션디자인학회지 21권 1호 발행 연도 : 2021 페이지 : pp. 157-173 (17 pages)

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무대예술은 고대부터 지금까지 인간의 유희적 본능을 만족시키기 위해 발전해온 시각 예술이다. 20세기초부터 지금까지 무대예술 분야에 한 획을 그은 오스카 슐레머는 1922년 선보인 『Triadic Ballet』 무용공연에서 기하학적 실루엣의 복식우선형 의복을 선보여 화제를 모았고, 이후 현대 아티스트에게 큰 영향을 미쳤다. 이에 본 연구는 선행연구와 매체에서 그로부터 영향을 받았다고 언급된 세 명의 아티스트인 아힘 프라이어, 안드레이 바르테네브, 그리고 어슐러 색스가 연출한 무대의상의 조형적 맥락이 오스카 슐레머와의 유사점과 차이점은 무엇인지를 비교·분석해 보고자 하였다. 오스카 슐레머의 『Triadic Ballet』 무대의상의 조형적 특징은 첫째, 색채의 측면에서 칸딘스키가 주장한 삼원적 색채론이 주를 이뤘다는 것과 둘째, 형태적 측면에서 기하학적 도형 형태의 복식우선형이라는 것, 셋째, 소재의 측면에서 기존의 발레공연 무대의상과는 다른 소재를 사용했다는 것이다. 또한, 무대의상 외적인 요소의 특징은 네 가지로 정리할 수 있었는데 이는 첫째, 흰 칠을 한 얼굴 표현, 둘째, 기하학적 형태의 소품 활용, 셋째, 소재로 인한 무용수의 동작 제한, 넷째, 무대의상과 배경의 관련성이다. 오스카 슐레머와 3인의 아티스트의 무대의상은 복식우선형에 기본을 둔 의상이라는 점에서 형태의 측면에서 가장 높은 유사성을 보였다. 차이점을 살펴보면, 아힘 프라이어는 무대배경에서 회화적인 표현을 사용했다는 점, 안드레이 바르테네브는 무용수가 장치를 달고 의상을 제어했다는 점, 어슐러 색스는 무대의상을 유연한 소재로 제작하여 무용수들이 자유롭게 움직일 수 있다는 점이지만 상기 언급한 차이점들은 조형적 차이라기보다는 연출방식에서의 차이였기 때문에 조형적 측면에서 바라보았을 때 아티스트의 개별적인 독창성이나 차별성은 미흡했다. 최근 발표된 다수의 선행연구에서 현대 무대예술은 기술적 요소에만 의존하여 시각적 효과를 남용한다는 비판과는 대조적으로, 오스카 슐레머는 순수예술의 조형적 요소들 간의 조화를 연출력과 무대의상을 통해 보여주었다는 점에서 현대의 아티스트들에게 기본적 조형원리의 중요성을 다시 한번 상기시켜준다. 따라서 본 연구는 무대예술사와 복식사 분야 모두에서 그 학술적 가치를 지녔다고 사료된다.


Stage art has been developed since ancient times to satisfy human's entertainment instincts. Oskar Schlemmer, who made a mark in the field of stage art, drew attention when he presented his geometric clothing at the 1922 “Triadic Ballet” dance performance, which later greatly influenced modern artists. Thus, this study tried to compare the similarities and differences between Oskar Schlemmer and three modern artists, Achim Freyer, Andrey Bartenev, and Ursula Sax, who were mentioned to have been influenced by him in prior research and media. The formative features of Oskar Schlemmer's “Triadic Ballet” stage costumes were: First, the use of Kandinsky's color theory, second, the form of geometric shapes as the clothing-first type, and third, a different material from that of the existing ballet costumes. Next, the characteristics of the external elements of his stage costumes could be summarized into four categories: First, the expression of faces painted white, second, the use of geometric props, third, the restriction of the movements of the dancers due to the material, and fourth, the connection between stage costumes and the background. The stage costumes of Oscar Schlemer and the three artists showed the highest similarity in terms of form such as the clothing-first type. As for their differences, Achim Freyer used pictorial expressions in the stage background, Andrey Bartenev had control of the costumes through the device, and Ursula Sax utilized flexible materials to make dancers move freely. However, the above-mentioned differences originated not from forms but from directing method, and each artist's individual originality could not be found in their costumes. In contrast to the criticism that modern stage art abuses visual effects by relying on technological elements, Oscar Schlemmer's stage costumes showed the harmony of the formative elements of arts. This study has its academic value in both the performing arts history and costume history in that his works showed the importance of basic formative principles.

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