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The Research of the Performance Art and Culture

  • : 한국공연문화학회
  • : 예체능분야  >  연극영화
  • : KCI등재
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  • : 반년간
  • : 1598-981X
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  • : 고전희곡연구(~2003) → 공연문화연구(2003~)

수록정보
수록범위 : 1권0호(2000)~45권0호(2022) |수록논문 수 : 616
공연문화연구
45권0호(2022년 08월) 수록논문
최근 권호 논문
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KCI등재

저자 : 김남석 ( Kim Namseok )

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 5-46 (42 pages)

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한국 연극사에서 1일 다작품 공연 체제는 근대극 도입 초기에 활발하게 선호된 공연 방식이었다. 현재는 1일(1회) 1작품 공연 체제가 일반화되었지만, 일제 강점기와 해방기 그리고 분단 이후까지도 1일 다작품 공연 체제는 폭넓게 인정되는 공연 방식이었다고 해야 한다. 하지만 막상 1일 다작품 공연 체제에 관한 구체적인 연구는 전무한 상태이다. 실제로도 이러한 공연 체제가 언제 시작되었고, 어떻게 연극계로 확산되었는지에 대한 정확한 조사나 보고가 이루어지지 않은 상태이다. 본 연구는 이러한 연극사적 맹점을 보완할 목적으로 구상되었다. 본 연구에서는 1920년대 취성좌와 토월회 일맥을 중심으로 1일 다작품 공연 체제가 어떻게 형성되고 어떠한 방식으로 구체화되었는지를 살필 것이다. 그리고 1930년대 조선 대중극이 구체적으로 성행하는 시점에서 이러한 1일 다작품 공연 체제가 어떻게 정착되고 세부적으로 정리되었는지를 살펴볼 것이다. 이를 위해 본 연구에서는 1920~30년대 대중(신파) 극단의 레퍼토리 중에서 대표적인 작품을 추출하고 그 변화 양상을 분석할 것이다. 이러한 연구는 지금까지 당연하게 여겼던 1일 다작품 공연 체제의 형성 과정과 이러한 공연 방식의 특장점에 대한 고찰을 전해 줄 것이다.


In the history of Korean theater, the multi-piece performance system in one day was the preferred performance method in the early days of the introduction of modern theater. Currently the one performance system in one day is common, but even after the Japanese colonial period and liberation, and even after the division of Korea, the multi-piece performance system in one day was a widely accepted performance method. However there is no specific research on the multi-piece performance system in one day. In fact, when the multi-piece performance system in one day started and how it spread to the theater world, there is no accurate investigation or report. This study was conceived for the purpose of supplementing these blind spots in theater history. Based on the context of Chuishengjwa and Towolhoe in the 1920s, this study focused on the multi-piece performance system in one day how it was formed and how it was materialized. And at the time when Korean popular dramas in the 1930s were particularly popular, this thesis will examine how the multi-piece performance system in one day was established and organized in detail. To this end, this study will extract representative works from the repertoire of popular theater companies in the 1920s~30s and analyze their changes. This study will provide an insight into the formation process of the multi-piece performance system in one day, which has been taken for granted so far, and the characteristics of this performance method.

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저자 : 최혜진 ( Choi Hye-jin )

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 47-91 (45 pages)

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본고는 충남지역 풍류문화의 양상과 풍류객들, 그리고 대전향제줄풍류 전승의 핵심 인물을 고찰한 것이다. 충남지역에서는 조선 후기 이래 풍류방을 중심으로 풍류문화와 음악이 전승되었으나 일제강점기 이후로는 대개 사라져버렸다. 하지만 자료와 인터뷰 등을 통해 서산, 논산, 서천, 공주, 예산, 청양, 부여 등지에서 줄풍류의 전통이 있었음을 확인할 수 있었다. 서산의 심정순 일가, 논산의 김성옥 가문과 백낙준의 활동, 서천의 조남홍 가문, 공주의 청유계와 김갑순 댁 풍류방, 예산의 율방, 부여의 박상근과 우종실의 활동 등이 그것이다. 현재 충남 각 지역에서 이어지던 풍류음악은 사라지고, 서산이나 부여 등에서 시조창의 전통이 그 명맥을 유지하고 있다.
대전에서는 일제강점기 이후 충남지역의 율객들과 전국에서 모인 사람들이 함께 율회를 가졌다. 충남지역의 풍류 전통을 이어 대전지역에 줄풍류 문화와 정체성을 만들고 그 맥을 이어온 것은 이경호(1911-1983)와 권용세(1915-2002)에 의해 가능했다. 이들은 충남의 명인들로부터 풍류를 배우며, 줄풍류의 전승을 위해 노력했다. 이경호는 최응모로부터 배운 풍류를 『금쟁보』(1935)에 남김으로서 대전 줄풍류의 근간을 세웠다. 권용세는 당대 충남지역의 여러 명인, 명창으로부터 악기와 시조를 사사함은 물론 이경호와 함께 대전정악원 활동을 하며 줄풍류의 전통을 이어나갔다. 권용세는 대전정악원, 동인국악원, 한밭정악회로 이어지는 활동을 통해 국악의 진흥은 물론 줄풍류 전승의 핵심적 역할을 하였다. 본 연구에서는 이경호와 권용세가 배운 율객들의 면모를 밝힘과 동시에 이들의 일제강점기 이후 활동을 통해 대전 줄풍류가 충남지역 줄풍류의 전통을 이어가고 있음을 밝혔다.


This paper examines the history of pungryu culture in the Chungnam region and the key figures in the transmission of the Julpungryu from Daejeonhyangje. In the Chungnam region, Pungryu culture and music have been transmitted centered on Pungryubang since the late Joseon Dynasty, but have largely disappeared after the Japanese colonial period. However, through data and interviews, it was confirmed that there was a tradition of pungryu in Seosan, Nonsan, Seocheon, Gongju, Yesan, Cheongyang, and Buyeo. These are the Sim Jeong-sun family in Seosan, the activities of the Kim Seong-ok family and Baek Nak-jun in Nonsan, the Jo Nam-hong family in Seocheon, the Cheongyu-gye and Kim Gap-sun family's Pungryubang in Gongju, the Yulbang in Yesan, and the activities of Park Sang-geun and Woo Jong-sil in Buyeo. Pungryu music, which has continued in each region of Chungnam, has now disappeared, and the tradition of Sijo-chang has been maintained in Seosan and Buyeo.
In Daejeon, after the Japanese colonial period, yulgaek from the Chungnam region and people from all over the country held yulhoe together. And, it was possible by Lee Gyeong-ho (1911~1983) and Kwon Yong-se (1915~2002) to establish and carry on the tradition of Julpungryu in the Daejeon region. Lee Kyung-ho established the foundation of Daejeon string pungryu by leaving the pungryu he learned from Choi Eung-mo in 'Geumjaengbo' (1935). Kwon Yong-se continued the tradition of Julpungryu by studying musical instruments and Sijo from various masters and masters in the Chungnam region of the time, as well as studying with Lee Kyung-ho for 5 years. Kwon Yong-se played a key role in the promotion of traditional music as well as the transmission of Julpungryu through activities that led to Daejeon Jeongakwon, Dong-in Gugak Center, and Hanbat Jeongakhoe. In Daejeon, the culture and music of Julpungryu are being inherited mainly by the preservation members. We must not forget that when the culture of pungryu can be revived and can serve as a creative art space, the whole pungryu can be handed down.

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저자 : 김미영 ( Kim Miyoung )

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 93-135 (43 pages)

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이 글에서는 현재 광주·전남지역에서 무당굿 연행을 활발하게 하고 있는 세습무계의 진금순과 이장단 두 무녀를 중심으로 그들의 굿을 관찰하고 이들이 무당굿에서 부르는 <치국잡이>에 드러난 즉흥 음악성의 특징을 밝히고 두 무녀의 개별적 즉흥 양식을 고찰하였다.
진금순 무녀는 '시작구'·'단락의 종지구'·'사설의 댓구를 이루는 악구'는 고정선율로 배치하여 즉흥을 하는 동안 일정한 틀로 사용하며 동일한 사설을 각각 다른 한배의 장단과 전혀 다른 선율로 전개하는 즉흥을 보여준다.
이장단 무녀는 대부분의 무가 선율을 유사한 선율로 부르기에 이미 알고 있는 선율을 약간씩 변주하며 사설을 올리는 것이라 할 수 있다. 악구와 악구를 연결할 때는 전반부에 사설을 얹고 마지막 음절은 하향선율의 1자다음식 형태화된 악구를 변주하는 것으로 드러난다. 대부분의 선율을 유사선율로 부르는 이장단 무녀의 즉흥음악성은 진금순 무녀와 비교해 약한 것으로 드러났다.
두 무녀가 부른 무가에서 나타나는 즉흥 양상의 공통점은 육자배기토리의 사용과 2소박 4박 안당장단의 공유, 그리고 '시작구' 및 '사설단락의 종지구'를 유사한 선율로 고정시키며 즉흥하는 데에 있어서 일정한 틀로 사용하는 점이며, 사설을 악구로 연결하는 방식과 사설 배자방식 및 한배가 다른 장단으로 표현하는 즉흥방식 등은 차이가 있었다. 진금순 무녀는 한 싯구를 한 장단으로 올려 부르기에 무가 선율진행이 다소 단순한 편이지만, 이장단 무녀에 비해 유사선율의 비율이 적고, 동일한 사설을 한 배가 다른 장단과 새로운 선율로 부르는 즉흥을 하고 있다. 하지만 이장단 무녀는 한 싯구를 여러 장단에 얹어 긴 호흡으로 선율화하는 리듬감각을 드러내고 있으나 자신이 즐겨 사용하는 선율형을 변주방식으로 엮어 나간다.
두 무녀가 활동하고 있는 21세기는 제의 장소가 굿을 의뢰하는 가족들의 집과 마당이 아닌 무녀의 연고가 있는 굿당이나 축제나 공연 현장으로 바꾸어져 연행환경의 변화가 없기 때문에 이때 연행하는 음악적 표현도 즉흥적인 외부적 요소가 줄어들었기 때문으로 생각한다.


This study focuses on two shamans Jin Geum-soon and Lee Jang-dan, who are actively performing among shamans in the Jeonnam region, which are the basis of improvised music, and observes their rituals, and the improvisational musicality revealed in Chi-guk-jab-i sung by these shamans. The purpose of this study was to clarify the characteristics of the two shamans and to examine the individual improvisation styles of the two shamans.
Jin Geum-sun's individual performance style is that she uses a stylized pattern to connect phrases. The phrases that make up the opening phrase, the ending section, and the main phrase of the lyrics are used as a constant frame during improvisation by placing a fixed melody, and in the rest of the section, the b melody type and the ending section c emphasizing the central notethat you use frequently. Melodies are weaved through variations, and it shows improvisation, expressing the same lyrics in different rhythms and melodies.
The individual performance style of Lee Jang-dan shaman is that most of the shamanic song melodies are similar melodies, and it can be said that the lyrics is published with slight variations on previously known melodies. When connecting a phrase to a phrase, it is revealed that the lyrics are placed in the first half and the last syllable is a variation of a phrase in the form of a one-letter style with a downward melody. The commonality of the improvisational aspect of the two shamans is that they do not sing a new melody but sing a melodic form through variations.
The actual results of the individual improvisation patterns studied through the shamanic song Chi-guk-jab-i did not meet the expectations of the researcher. Jin Geum-soon uses a certain type of frame that connects the lyrics and phrases, and calls the repeated phrases and melodies slightly differently, so it's more like a variation rather than a pure improvisation. Lee Jang-dan has many repetitions of similar melodies, and it is difficult to recognize as pure improvisation, like Jin Geum-soon, only showing variations of similar melodies.
In the 21st century, when two shamans are active, it is difficult to find Jeju who want a ritual, and the place of the ritual is as pure as before. Because there is no change in the performance environment, the musical expression performed at this time is also thought to be due to the reduction of improvised external factors.
Although the performance time is different, it uses a variety of affixes that make it impossible to find a certain rule, and while freely using a wide range, it starts from a high note and seems to go down in sequence, while a curved melody and the characteristic of leaping at the end of the melody are seen, and it is actively used. The improvisation of Kim Dae-rye, the master of martial arts, who always contrasts with the long-drawn notes and melodic harmonies, was presented as a sample of the improvisational aspect that Jin Geum-soon and Lee Jang-dan shaman should expand and develop in the future.

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저자 : 김보빈 ( Kim Bobin )

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 137-169 (33 pages)

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공연장의 음향 엔지니어는 공연을 운영하면서 많은 선택의 갈림길에서 고민과 결정을 한다. 하지만 이러한 선택은 기술적인 고찰을 통해 이루어질 뿐 인문학적인 고찰은 전혀 고려되지 않는다. 공연예술은 무대의 인간이 객석의 인간에게 어떠한 메시지를 전달함과 동시에 객석의 인간은 다양한 반응을 통해 무대의 인간과 공감을 형성해나가는 예술 장르이다. 그렇기에 무대와 객석 사이의 매개자인 음향 엔지니어는 기술적인 고찰뿐만 아니라 철학, 미학, 예술학 등 인문학 전반의 고찰을 통한 메시지 전달을 할 필요가 있다.
본 연구에서 본 연구자는 다목적 공연장에 많이 보급된 서라운드 음향 시스템과 디지털 리버브 장비를 이용하여 구현한 리좀(Rhizome)적 소리표현에 관해 서술하였다. 이것은 무대와 객석의 분절된 공간설정뿐만 아니라 우리의 감성적인 위치설정 역시 무대를 '위'로 객석을 '아래'로 인식하는 분절된 이항대립을 청감각적으로 해결하기 위한 새로운 음향 기법이다. 이 기법을 활용한 춤패 배김새의 36주년 정기공연 <길>에서는 전통적으로 사용되는 투명한 막과 같은 평면적인 소리구현, 즉 소리의 거목(巨木)이 아닌 객석 전체에 넓게 퍼진 전체가 그리고(et)의 접속사로 조직되어 있는 리좀적 소리표현을 구현하였다. 그리하여 무대와 객석이 분절된 이미지로서의 공간이 아닌 여러 의미와 이미지가 상호교환하는 같은 공간임을 시사했다.
주로 시각적 지각에 의존하는 무대미술이나 무대조명에 관한 미학적 고찰의 연구는 활발하게 이루어지는 편이다. 하지만 무대음향에 있어서 다양한 인문학적 고찰은 이뤄지지 않은 채 기술적인 고찰만 이뤄지고 있다. 청각적 지각을 글로 명확히 표현한다는 것은 몹시 어려운 일이지만 무대음향 분야에서 인문학적인 고찰을 배제한 채 기술적인 고찰에만 매진하는 것은 무대와 객석이 주고받는 정확한 메시지를 놓치게 될 우려가 있다. 그리고 무대와 객석의 매개자인 음향 엔지니어는 인간이 아닌 음향 장치들의 연결 사이에 배치된 또 다른 장치로서만 작동하게 될 것이다. 음향 엔지니어가 장치가 아닌 매개자로서의 인간으로 존재하기 위해서는 인문학적 고찰을 통한 다양한 소리의 표현 방법이 필요하다. 그리고 소리의 표현 방법뿐만 아니라 이러한 연구의 방법론 또한 다양한 방식으로 시도하는 것이 필요할 것이다.


A sound engineer in a performance hall makes many decisions while operating a performance. However, this selection is made only through technical considerations, and humanities considerations are not considered at all. Performing arts is an art genre in which people on stage deliver certain messages to people in the audience, and at the same time, people in the audience form empathy with people on stage through various reactions. Therefore, it is necessary for sound engineers, who are the mediators between the stage and the audience, to deliver messages through consideration not only of technical considerations, but also of the humanities, such as philosophy, aesthetics, and arts.
In this research, the researcher explained the sound expression of rhizome-like implemented using the surround sound system and digital reverb equipment widely used in multi-purpose performance halls. This is a new sound technique to audibly resolve the segmented binary opposition that recognizes the stage as 'up' and the audience as 'below' in not only the segmented spatial setting of the stage and the audience, but also our emotional positioning. In Gil, a regular performance for the 36th anniversary of the dance group Baegimsae using this technique, a flat sound like the traditionally used transparent membrane is realized, that is, the whole that spreads widely throughout the audience rather than the huge tree of sound and(et) The rhizome-like sound expression organized by the conjunctions of Thus, it was suggested that the stage and the audience are not a space as a segmented image, but the same space where various meanings and images are mutually exchanged.
The study of aesthetic considerations on stage art and stage lighting, which mainly depend on visual perception, is actively conducted. However, in terms of stage sound, various humanities considerations are not being made, only technical considerations are being made. It is very difficult to clearly express auditory perception in writing, but focusing only on technical considerations excluding humanities considerations in the field of stage acoustics may result in missing the precise message exchanged between the stage and the audience. And the sound engineer, the intermediary between the stage and the audience, will only act as another device placed between the connections of non-human sound devices. In order for a sound engineer to exist as a human as a mediator rather than a device, various methods of expressing sounds through humanities considerations are needed. And it will be necessary to try not only the sound expression method but also the methodology of study in various ways.

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저자 : 김형근 ( Kim Hyung Kun )

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 171-206 (36 pages)

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이 글은 울산의 전통 줄다리기인 '마두희'의 무형유산적 가치를 규명하는 글이다. 마두희 또한 일제 강점기에 전승이 단절되었고, 그에 대한 복원 작업이 최근에서야 어느 정도 마무리 되었다. 단순히 지역문화 내지 지역무형유산으로 전승하는 데는 문제가 없지만, '문화재'라는 정책으로 그 보호조치를 받기 위해서는 심사를 받아야 한다. 그런데 그간 무형문화재 제도의 종목 지정에 있어서 가장 중요히 여겨온 것은 '행위의 지속성' 문제였다. 그런 점에서 한 때 단절되었던 종목들은 늘 그 전통성에 대한 비판들이 제기된다. 바로 이 부분이 최근에 어느 정도 규명되었다. 따라서 본고에서는 '역사성' 대신 '대표성'이라는 기준에서 마두희의 가치를 분석하였다.
무형유산의 대표성이라 함은 일정 공간과 사람의 정체성을 오롯이 담고 있는지, 그래서 그것이 그들의 문화적 상징이 될 수 있는지를 평가하는 지표이다. 이 글에서는 이를 위하여 다른 지역 줄다리기와의 비교를 통해 마두희가 갖는 보편성과 특수성을 드러냈다. 특수성은 다섯 가지로 요약되는데 1) 이른 시기의 문헌 기록(학성지 1749년), 2) 풍수비보의 목적으로 행해졌다는 유래, 3) 정월대보름이 아닌 단오, 4) 줄수염, 남녀 복색을 통한 남녀 교합 시각화, 5) 놀이 이후의 처리 과정의 독자성이 그것이다. 이런 측면에서 마두희는 울산을 대표하는 무형유산인 동시에, 한국 줄다리기의 다양성을 규명할 수 있는 좋은 지역사례임을 드러냈다.
울산 마두희는 현재 대표적인 울산 축제이다. 아울러 축제에 대한 시민의 참여와 관의 지원이 어우러지면서 한국에서도 이름난 축제로 발돋움하고 있다. 줄다리기가 전승되고 있는 지역들이 인구소멸의 위기에 놓여있는 것과 대조적으로 울산은 지속가능성에 있어 매우 희망적인 것이다. 이 부분 또한 마두희가 갖는 무형유산적 가치라고 할 수 있다.


This article examines the intangible heritage value of Maduhee, a traditional tug-of-war of Ulsan in South Korea. Maduhee's succession was cut off during the Japanese colonial period, and restoration work on it was only recently completed to some extent. There is no problem in simply transmitting it as a regional culture or regional intangible heritage, but in order to receive protection measures under the policy of 'cultural property', it must undergo an examination. However, the most important issue in the designation of items in the intangible cultural heritage system has been the issue of 'continuity of action'. In this regard, the items that were once disconnected are always criticized for their tradition. Reporting that this very part has been clarified to some extent recently, in this paper, Maduhee's value was analyzed based on the criterion of 'representativeness'.
The representativeness of intangible cultural heritage is an index that evaluates whether it contains the identity of a certain space and person, and thus whether it can become a cultural symbol of them. For this purpose, this article revealed the universality and specificity of Maduhee through comparison with other regional tug-of-war games in South Korea. The specificitis are summarized in five points: 1) early literature records (1749), 2) Origin that it was done for the purpose of feng shui,, 3) Dano(the fifth day of the fifth month of the year according to the lunar calendar) rather than Jeongwol Daeboreum(the 15th day of the New Year according to the lunar calendar), 4) beard, men and women through men's and women's clothing Occlusal visualization, 5) The uniqueness of the processing process after play. In this respect, Maduhee is a representative intangible heritage of Ulsan and a good regional example to clarify the diversity of Korean tug of war.
Ulsan Maduhee is currently the representative Ulsan festival. In addition, as citizens' participation in the festival and the support of the government go hand in hand, it is emerging as a famous festival in Korea. In contrast to the areas where the tug of war has been passed down, which are on the verge of population extinction, Ulsan is very hopeful in terms of sustainability. This part can also be said to be the intangible heritage value of Maduhee.

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저자 : 박은현 ( Park Eunhyeon )

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 207-238 (32 pages)

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본고는 즉흥적으로 재담과 기예를 펼쳤던 박춘재의 발탈이 시대를 거치면서 어떠한 변화 과정을 겪었는지 확인함으로써 발탈의 주요 구성을 확인하고, 국가무형문화재로서의 발탈에 관하여 논하고자 하였다. 이에 1980년대에 처음으로 발탈의 대본을 체계적으로 정리한 이동안본부터 현행까지 종적으로 비교하고, 현재 연행하고 있는 박정임본과 조영숙본을 횡적으로 비교함으로써 발탈이 어떤 방향으로 변화하고 있는지 짚어보고자 하였다.
본고에서 확인한 바는 대본 구성 및 내용, 그리고 음악의 구성이다. 이를 정리하면 다음과 같다. 박춘재 시절에는 발탈의 기예를 뽐내며 어릿광대와 재담을 주고받던 것이 현재 박정임본에서는 재담을 주고받는 부분이 축소되고 발탈의 대사가 확대되었다. 조영숙본에서는 발탈과 어릿광대가 서로 주고받는 재담이 축소되었으나 어릿광대가 노래를 부르는 부분이 추가되고, 노래의 종류도 다른 연희본들에 비해 다양하다. 그러나 박춘재 시기 발탈의 모습을 생각했을 때 재담을 주고받는 부분이 현저히 줄어들고 있는 것은 발탈이 재담극으로서의 정체성을 잃어가고 있는 것으로 보인다. 그런데 이러한 변화는 공연의 수요자인 관객의 요구에 따른 변화가 아니다. 조영숙이 이동안에게서 전수받은 기·예능을 본인의 발탈에 모두 녹여내기 위해 다른 연희본에는 없는 노래들이 추가되었고, 이런 노래들을 어릿광대 역할을 하는 조영숙 자신이 함으로써 조영숙본에서는 어릿광대의 기능이 확대된 것이다.


This study has sought to identify the succession and chronological alteration of Park Chunjae's Baltal(Foot Mask Theater) with improvised Jaedam(funny gags) and artistic motions in order to determine the main composition and aspect of Baltal as a National Intangible Cultural Heritage. Detailed studies were conducted to examine the direction of variation in performance patterns of Baltal. including vertical comparisons from Lee Dongan's first organized script of the 1980s to that of the present and horizontal comparisons of present scripts of Park Jeongim and Cho Yeongsuk.
The study has analyzed the composition, script of Baltal, and its musical composition and is summarized as follows. While Park Chunjae mainly showed off his unique skills and cracked gags with the Clown, Park Jeongim's script today had its banter reduced and Baltal's lines extended. In Cho Yeongsuk's script, the gags between Baltal and Clown were reduced, while singing was added and type of songs became more diverse than other versions. Considering Park Chunjae's initial Baltal however, it is clear that the gag and banter has been significantly reduced and it shows that Baltal is losing its identity as a witty play. This change is not to blame the audience, but the successors. In order to incorporate all the skills and entertainment learned from Lee Dongan, Cho Yeongsuk added more songs to the original script and expanded the function of the Clown, as Cho herself took the role.

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저자 : 이광욱

발행기관 : 한국공연문화학회 간행물 : 공연문화연구 45권 0호 발행 연도 : 2022 페이지 : pp. 239-250 (12 pages)

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